『씨네 21』에 연재됐던 ‘영화와 미술’ 칼럼 중 35편을 책으로 엮은 것으로 『영화, 미술의 언어를 꿈꾸다』는 미술사조를 중심으로 좀더 이론적이고 체계적인 구성으로 영화와 미술의 관계를 논하고 있다. 이탈리아에서 영화를 공부하고, 미술과 클래식 음악, 오페라에 대해서도 마니아적 열정과 깊은 식견을 가진 저자는, 명작 영화의 독특한 미학 뒤에 숨겨진 회화 작품을 날카롭게 간파해내어, ‘영화 미학의 발달사’와 더불어 그 속에 스며든 ‘서양미술사의 흐름’을 친절하게 보여준다.
출판사 서평
1. 미술의 언어로 영화를 읽는다
이탈리아에서 영화를 공부하고, 미술과 클래식 음악, 오페라에 대해서도 마니아적 열정과 깊은 식견을 가진 저자는, 명작 영화의 독특한 미학 뒤에 숨겨진 회화 작품을 날카롭게 간파해내어, ‘영화 미학의 발달사’와 더불어 그 속에 스며든 ‘서양미술사의 흐름’을 친절하게 짚어주고 있다.
저자는, 서양미술사의 연대기를 따라 ‘르네상스 미술’부터 ‘팝아트’까지 7개의 주요한 미술사조로 각 장을 나누고, 그 미술 양식으로부터 영향받은 영화들을 소개함으로써 자연스럽게 미술사조의 미학과 특징을 이해할 ...
1. 미술의 언어로 영화를 읽는다
이탈리아에서 영화를 공부하고, 미술과 클래식 음악, 오페라에 대해서도 마니아적 열정과 깊은 식견을 가진 저자는, 명작 영화의 독특한 미학 뒤에 숨겨진 회화 작품을 날카롭게 간파해내어, ‘영화 미학의 발달사’와 더불어 그 속에 스며든 ‘서양미술사의 흐름’을 친절하게 짚어주고 있다.
저자는, 서양미술사의 연대기를 따라 ‘르네상스 미술’부터 ‘팝아트’까지 7개의 주요한 미술사조로 각 장을 나누고, 그 미술 양식으로부터 영향받은 영화들을 소개함으로써 자연스럽게 미술사조의 미학과 특징을 이해할 수 있도록 했다. 이 책에는, 미술을 전공했거나 미술에 대한 사랑이 지극한 감독들이 서양미술사의 대표적인 주제, 모티프, 미술작품의 이미지를 자신의 영화 속에 어떻게 인용했는지, 미술의 이미지로 등장인물의 감정과 영화의 줄거리를 얼마나 효과적으로 전달했는지가 잘 담겨 있다.
피터 그리너웨이, 팀 버튼, 브뉘엘 등 이 책에서 소개되는 감독들은 사랑하는 화가의 작품을 스크린에 그대로 옮겨오기도 하고, ‘미술작품의 주제와 미술가의 창작 의도’를 영화 속 등장인물의 심리를 묘사하거나 영화의 메시지를 전달하는 데 적절하게 이용하기도 했다. 르네상스 미술에 대한 해박한 지식을 자랑하는 파졸리니, 펠리니, 타비아니 형제 같은 이탈리아 감독들은 자신의 영화 속에 르네상스 미술의 대표적인 회화 작품을 녹여내 아름다운 화면을 만들어냈다. 안토니오니와 고다르, 베르톨루치의 전복적·반전통적인 영화에는 전통을 거부하는 반항의 미학 팝아트의 정신과 이미지가 고스란히 드러나 있다.
“아는 만큼 보인다”는 말은 영화를 감상하는 데에도 해당될 수 있을 것이다. 이 책을 통해 영화를 좋아하는 독자들이, 논리적으로 일사불란하게 전개되는 영화의 스토리에만 집중하지 않고, 영화 속에 표현된 회화적 구도의 의미나 영화의 주조를 이루는 컬러의 상징, 배경으로 나오는 그림의 주제와 등장인물들과의 관계성에 주목해서 영화를 본다면, ‘영화의 아름다움’, 더 나아가 ‘예술의 아름다움’을 향유하는 데 큰 도움이 될 것이다.
이 책은 『씨네 21』에 연재됐던 ‘영화와 미술’ 칼럼 중 35편을 책으로 묶어낸 것이다. 전작 『영화, 그림 속을 걷고 싶다』가 인간의 심리와 정서, 사랑과 죽음을 중심으로 한 7가지 주제를 통해 영화의 상상력이 미술을 어떻게 사용했는가를 그려내면서, ‘영화와 미술의 만남’이라는 주제로 새로운 영화 읽기를 시도했다면, 후속편이자 완결편이라 할 수 있는 이 책 『영화, 미술의 언어를 꿈꾸다』는 미술사조를 중심으로 좀더 이론적이고 체계적인 구성으로 영화와 미술의 관계를 논하고 있다.
2. ‘영화 속의 서양미술사’, 르네상스 미술부터 팝아트까지
후발주자인 영화는 전통적인 시각예술인 미술, 특히 그림으로부터 많은 아이디어를 훔쳐오기 시작했다. 조르주 멜리에스의 작업 이후 수많은 회화 이미지들이 영화에 인용되었는데, 영화의 역사뿐 아니라 미술의 역사도 깊은 유럽의 영화들, 특히 프랑스와 이탈리아의 영화들에서 ‘미술’의 흔적을 자주 볼 수 있다.
01 르네상스 미술, 부활 르네상스 미술의 권위자인 로베르토 롱기의 애제자이기도 한 파졸리니는 , , 에서 마사치오, 피에로 델라 프란체스카, 히에로니무스 보스의 그림들을 풍부하게 인용하였다. 그의 영화를 보는 것만으로도 ‘르네상스 미술’의 아름다움을 한눈에 느낄 수 있을 정도다. 좌파적 미학을 중시하는, 르네상스적 교양주의자 타비아니 형제는 을 만들면서 파올로 우첼로의 를 인용하여 어떤 파시스트의 죽음 장면을 인상적으로 그려냈다.(본문 24쪽 참조)

02 플랑드르 미술, 생의 한가운데 타르코프스키는 브뤼겔의 이라는 작품에 큰 애착을 가진 듯, 에 이어 에서도 이 작품을 인용하였다.(본문 66쪽 참조) 감독은 그림 속 아이들의 모습에서 절대적인 순결의 이미지를 보는 듯하다. 프랑드르 화가들의 17세기 풍속화를 좋아했던 펠리니는 중 귀도의 상상 장면에서, 아내 루이자를 베르메르의 에 나오는 하녀와 똑같이 꾸몄다.(본문 90쪽 참조)

03 바로크 미술, 밤으로의 긴 여로 베르메르의 그림에 미쳐 있는 외과의사가 등장하는 피터 그리너웨이의 는 회화의 이미지가 넘쳐나는 ‘과잉의 미학’으로 유명하다.(본문 124쪽 참조) 데릭 저먼은 교회로부터 그림 솜씨는 인정받았으나 점잖치 못하다는 평을 받아 결국 거부당한 화가 카라바조의 일대기를 영화에 담았다. 그는 하층민을 모델로 삼아 성인들을 그려냈던 카라바조의 그림 제작 과정을 영화 에 그대로 담아냈다.(본문 100쪽 참조)

04 신고전주의와 낭만주의, 젊은 베르테르의 슬픔 에서 알렉산더 페인은 죽음을 눈앞에 둔 철없는 노인 슈미트를 풍자하기 위해, 다비드의 을 끌어들였다.(본문 134쪽 참조) 팀 버튼은 에서 프리드리히의 그림을 직접 인용하기보다 주조를 이루는 이미지를 빌려 썼는데, 영화 속에 자주 등장하는 뒤틀린 나무는 프리드리히의 에 묘사된 떡갈나무와 아주 비슷하다.(본문 150쪽 참조)

05 야수파·입체파, 변신 빈센트 미넬리는 라울 뒤피, 모리스 위트릴로, 앙리 루소 등 자신이 좋아하는 프랑스 화가들의 작품을 의 주요 배경으로 사용하였고, 주인공 제리는 마지막 장면에서 아예 로트레크의 그림 속으로 들어가 춤을 춘다.(본문 176쪽 참조) 프로타자노프 감독의 에서 화성의 공간이 지구보다 훨씬 더 발전돼 보이는데, 이는 라이오넬 파이닝거의 작품처럼 입체주의적으로 묘사된 공간 이미지 때문이다.(본문 192쪽 참조)

06 아방가르드, 이방인 안토니오니의 영화를 볼 때면, 정물화에 가깝게 표현된, 시간이 죽어 있는 풍경화를 그린 데 키리코가 떠오른다. 안토니오니는 데 키리코와 비슷한 방식으로 도시 속 현대인의 ‘소외, 소통 불능, 고독’이라는 추상적인 주제를 시각적으로 잘 묘사했다.(본문 210, 226쪽 참조) 베르톨루치는 에서 들라크루아의 속 여신의 얼굴 위에 마릴린 먼로의 사진을 붙여놓아, 이 유명한 걸작에 대한 경외감을 거둬내고 웃음을 유발시켰다.(본문 218쪽 참조)

07 팝아트, 고도를 기다리며 테렌스 맬릭의 에서 살인자 키트는 앤디 워홀의 같은 그림이 그려진 장소에서 경찰에 발각되는데, 이런 식으로 왠지 불안한 일이 벌어질 것 같은 암시를 주는 데 팝아트의 이미지가 적절하게 이용됐다.(본문 276쪽 참조) 팝아트의 이미지를 즐겨 사용했던 마틴 스코시즈는 에서 팝아트 조각가 조지 시걸의 작품을 인용하여, 도시 속 외로운 사람들의 지루한 일상을 표현했다.(본문 284쪽 참조)
3. 유명하지만 너무나 낯선 ‘유럽의 거장 감독들의 재발견’
새로운 영화 형식을 보여주거나 미술작품을 인용해서 독특한 이미지를 만들어냈던 파졸리니, 안토니오니, 브뉘엘, 펠리니, 고다르 등 이 책에서 주로 다뤄지는 유럽 감독들은, 우리들에게뿐만 아니라 전 세계적으로도 너무나 유명한 인물들이다. 하지만 그들의 많은 작품들을 쉽게 접할 수 없는 우리들로서는, 그들에 대한 왜곡된 이미지를 갖게 되는 등 그들의 실체를 파악하기가 쉽지 않다.
이 책에는 영화 일을 하기 전 감독들의 경력과 그들에게 영향을 끼친 화가들의 작품 세계, 한 작가의 여러 작품에서 공통적으로 드러나는 주제의식, 그들이 이뤄낸 영화의 새로운 미학적·형식적 성취 등이 담겨 있어, 그들의 작품 세계를 입체적으로 파악할 수 있다. 특히 명쾌한 주제 전달과 단순한 플롯이 주를 이루는 요즘의 감각적인 영화들에 많이 익숙해진 독자들에게 이 감독들과의 만남은, 현재에도

목차
저자의 글- 화가를 찾아가는 '혼 들린' 감독들
1. 르네상스 미술, 부활
그림자의 미학- 파졸리니의 와 마사치오의 사실주의
'탈중심'의 미학- 타비아니 형제의 과 파올로 우첼로의 전투화
네오리얼리즘으로? 그린 예수의 삶- 파졸리니의 과 피에로 델라 프란체스카
고립된 세상의 외로움- 즈비야진체프의 과 만테냐, 그리고 호퍼
르네상스 회화의 만화경- 파졸리니의 와 보스의 상상화
시대와의 불화- 루이스 브뉘엘의 과 그뤼네발트의 제단화
2. 플랑드르 미술, 생의 한가운데
'생각하는 바다'의 덫에 갇힌 악몽- 안드레이 파르코프스키의 와 피터 브뤼겔의 계절화
과거가 달콤한 이유- 페데리코 펠리니의 , 피터 브뤼겔이 어린 시절 풍속화
단테의 눈으로 보카치오를 읽다- 파졸리니의 과 브뤼겔의 세계, 그리고 조토
브뤼겔의 속에 숨은 '도주의 욕망'- 페데리코 펠리니의 , '옵 아트' 그리고 플랑드르의 풍속화들
3. 바로크 미술, 밤으로의 긴 여로
'저주받은 화가'를 위한 노래- 데릭 저먼의 , 그리고 비스콘티와 파졸리니의 오마주
스크린에 그림을 그리는 화가- 피터 그리너웨이의 과 카라바조의 후예들
타락한 신부와 순결한 성모- 루이스 브뉘엘의 , 세속화된 성화
베르메르에 미쳐- 피터 그리너웨이의 , 그리고 '마카브르'
4. 신고전주의와 낭만주의 미술, 젊은 베르테르의 슬픔
자기를 보지 못하는 남자들의 희비극- 알렉산더 페인의 . 와 미술의 유머
그림 그리기 과정을 드라마로 만들다- 자크 리베트의 과 앵그르
고딕과 낭만주의의 경계- 팀 버튼의 , 프리드리히의 낭만주의를 기웃거리다
죽음은 안개에 젖어- 알렉산더 소쿠로프의 , 프리드리히의 '죽음의 명상'
나르시스의 사랑과 죽음- 데이비드 린치의 와 거울 이미지
5. 야수파. 입체파, 변신
그림은 춤춘다- 빈센트 미넬리의 , 툴루즈 로트레크와 라울 뒤피
'단테의 상상력'으로 바라본 지옥 같은 세상- 파졸리니의 과 입체파, 페르낭 레제
화성에도 혁명을 전파하자- 야코프 프로타자노프의 와 입체파 미술, 라이오넬 파이닝거
붉은색과 청색의 누아르- 고다르의 와 피카소, 그리고 팝아트
6. 아방가르드, 이방인
도시의 '멜랑콜리'- 안토니오의 와 데 키리코, 우울한 도시의 풍경화
회색빛 청춘예찬- 베르나르도 베르톨루치의 , 다다이즘
사랑에 빠진 감정, 진정일까?- 미켈란젤로 안토니오의 , 데 키리코의 '형이상학'
인적 없는 세상의 쓸쓸함- 에릭 로메르의 와 조르지오 모란디의 풍경화
폼페이, 비잔틴에 사이키델릭과 팝아트를- 페데리코 펠리니의 그리고 회화의 만화경
유머로 풀어놓은 전복적인 가치들- 루이스 브뉘엘의 그리고 달리, 밀레
7. 팝아트, 고도를 기다리며
반 전통의 깃발을 내건 반항- 미켈란젤로 안토니오니의 와 팝아트
나는 내가 보는 것을 믿지 않는다- 미켈란젤로 안토니오의 , 팝아트 시대의 사진 예술
폭력과 풍경의 외로움- 테렌스 맬릭의 와 앤디 워홀, 제임스 로젠퀴스트
'조각처럼 외로운'남자의 오디세이- 마틴 스코시즈의 과 하이터리얼리즘
퍼렇게 멍든 프랑스- 장_뤽 고다르의 , 앤대 워홀의 팝아트
예술가와 관객의 경계가 무너지다- 데이비드 크로넨버그의 와 보디 아트
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